Это интересно
- ОКД
- ЗКС
- ИПО
- КНПВ
- Мондиоринг
- Большой ринг
- Французский ринг
- Аджилити
- Фризби
Опрос
Полезные ссылки
РКФ
Все о дрессировке собак
Стрижка собак в Коломне
Поиск по сайту
Альфред Стиглиц. Признанный мастер фотографии. Редактора журнала camera work
Виктория Марченкова. Camera Work в истории
Название предвещает разрушение предыдущему журналу Стиглица. Camera Work отсылает к фразе art work, часто употребляемой в среде движения Arts and Crafts. Американо-британское движение Arts and Crafts, бывшее на вершине своего развития с 1880-х до 1910-х, являлось ответом на промышленную революцию. Страх перед механизацией человечества породил желание делать вещи своими руками. На деле участники движения пользовались помощью машин, но процент вмешательства различался. Эстетика Arts and Crafts — это видимые швы, прямые линии и прямоугольная и нередко блочная форма. При сохранении художественности, Arts and Crafts предполагает четкость конструкции, а пикторальная фотография, напротив, размытое изображение.
Обложку и логотип для первого номера разработал Эдвард Стайхен, деятельность которого в качестве художника и фотографа много лет после освещал Стиглиц. А вот сам номер Стайхену не был посвящен, хотя он и желал этого. Что-то там не заладилось, и героиней первого номера стала Гертруда Казебир. Важный аспект журнала — его иллюстрации. Стиглиц стремился к тому, чтобы фотогравюры максимально походили на фотографии, так что даже на выставке в Брюсселе в 1904 году, где висела подборка гравюр из журнала, многие думали, что они смотрят на оригинальные фотографии. Гравюры печатались на очень качественной бумаге японского плетения, которая практически не имела зерна и только недавно стала доступной. Стиглиц собственноручно проверял каждый экземпляр каждой гравюры и подправлял чернилами недостатки, вызванные попаданием пыли. Печатались гравюры первое время в Америке, а вскорости — в Германии.
Еще до выхода первого номера был разослан рекламный проспект, оповещающий, что размер и количество изображений в издании будет зависеть от количества проданных подписок. Это, конечно, хороший стимул для людей агитировать своих друзей за покупку. Первый номер датирован январем 1903-го, в действительности вышел даже раньше — в середине декабря 1902 года. К этому моменту у журнала было 647 подписчиков. Ни Стиглиц, ни его редакторы не получали никакой зарплаты. Фотографам также не платили. Только авторы получали деньги за тексты.
По своей структуре Camera Work был более подвижным, чем предыдущее детище Стиглица. На страницах журнала находилось место и современному визуальному искусству в целом (не только фотографии), и философам (например, Анри Бергсону), литераторам (в одном из номеров были опусы Гертруды Стайн) и даже анархистам (Стиглиц мог позволить себе разместить статью про «посудомойщика, официанта и редактора Revolutionary Almanac Гипполита Гавела»). Царствовавшая в журнале свобода была следствием общей неподотчетности. Из-за принадлежности Стиглица к Фотосецессиону существовала прочная ассоциативная связь между Camera Work и данной организацией, но в июле 1904 года Стиглиц дал на целую полосу «Воззвание к подписчикам», чтобы опровергнуть это мнение. Журнал функционировал как независимый орган и совсем не стремился к потере автономности.
Редакторский состав перетек из одного журнала в другой: работавшие в Camera Notes Джозеф Т.Кили, Фуге and Джон Фрэнсис Страусс стали писать и редактировать для Camera Work. В 1905-м к ним присоединился литературный критик журнала Life Джон Барретт Керфут. Он писал юмористические пассажи как для Notes, так и для Work.
Наиболее плодовитым и значительным автором Camera Work был Чарльз Каффин, который написал для журнала более тридцати текстов между 1903 × 1912 годами. В этот же период он написал некоторое количество книг по искусству. Между 1913-м и 1917-м, когда Каффин был главным арт-критиком в New York American, Стиглиц регулярно перепечатывал его ревю из газеты. Критику удавалось не впадать в крайности: то есть не упрощать и не быть высокомерным в своих статьях. Твердый поборник идей движения Arts and Crafts, он верил в то, что первейшая функция искусства — улучшать жизнь и художнику, и его аудитории.
Второй наиболее важный поставщик статей в журнал был Садакичи Хэртманн, рожденный в Японии. Он был так неутомим в написании статей, что ему приходилось брать псевдонимы (самый популярный — Сидни Аллэн). Это давало возможность публиковать в одном номере сразу несколько статей. Он смоделировал себя на основе Уистлера и Уайльда. У него отмечали непостоянство взглядов. В один год Хартман писал: «Тщательность — убийца искусства» (1903. Эссе «Ценность очевидно бессмысленного и неаккуратного»), а уже на следующий год утверждал в статье, что строгие фотографические методы — наиболее выразительный инструмент. А спустя время и вовсе был перетянут конкурирующей организацией и начал критиковать и осмеивать Стиглица в своих статьях, чаще — завуалировано.
Знаковые номера: неиллюстрированный выпуск «Что такое 291»; специальное издание от августа 1912 года, посвященное модернизму; и последний номер.
В 1912 году Стиглиц задумывался о закрытии журнала (считал, что уже все сделал для фотографии). Такие же мысли одолевали его по поводу галереи 291, также известной как Малые галереи Фотосецессиона. Стиглиц создал 291 и управлял ей с 1905 по 1917-й. В июле 1914-го появился номер «Что такое 291». Пытаясь разобраться, чем стала галерея в умах и сердцах людей, Альфред Стиглиц послал письма двадцати-тридцати людям из разных частей Америки и Европы с просьбой вложить свои чувства к галерее в объем от десяти до пятнадцати тысяч слов. Вместо ожидаемых двадцати-тридцати писем пришли ответы от шестидесяти пяти: услышавшие об идее сами пожелали высказаться. Все письма были помещены в журнал без редакторской правки. Большинство ответов было от художников, причем не обязательно выставлявшихся в 291. Кроме Стайхена и Хэвиланд, единственными фотографами выпуска были калифорнийцы Энни Бригман и ее друг Фрэнсис Брюгиер. Остальные докладчики включали Бель Грин (библиотекаря J. P. Morgan), сестру Стиглица Сельму, «иллюстратора и писателя» Джуну Барнс и основных спонсоров 291, включая Агнес и Юджина Мейера.
Среди восторженных друзей-дилеров и критиков был один скептик, Артур Хёбер, который написал, что он был свидетелем неистовых нападок в 291 на старую веру без помещения чего-либо на ее место. Он сожалел, что «Стиглиц отложил фотографию ради того, чтобы выставлять модерн-арт, так как в фотографии он велик».
Стайхен предложил заменить Фотосецессион новой организацией, которая бы включала в себя не только визуальные искусства, но и писателей, поэтов, музыкантов и людей театра.
Самой большой прелестью этого номера представляется наличие ответа лифтера из 291: «Я нашел в 291 дух, который воспитывает свободу, не предписывает никакого метода, не претендует на знание, никогда не порицает, но всегда вдохновляет тех, кто достаточно смел, чтобы быть дерзким, тех, кто чувствует только отвращение по отношению к идеалам и стандартам, установленным традицией». Еще раз — лифтер.
Издание про модернизм от августа 1912 года не просто особое, а крайне отличающееся. В нем почти не было фотографий. Зато были тексты. В этом выпуске увидели свет два текста Гертруды Стайн — словесные портреты Анри Матисса и Пабло Пикассо. В редакционном предисловии проводится мысль о том, что эти тексты являют собой новую форму литературы: «дух постимпрессионизма выразил себя, наконец, в литературной форме». Публикация в Camera Work была для Стайн первой вообще где-либо, поэтому она с большой благодарностью отнеслась к Стиглицу. И была, в некотором смысле, связующим звеном между Альфредом и богемным кругом Парижа (еще одним связующим звеном служил Стайхен). Брат же Гертруды Лео Стайн отказался публиковать свои размышления о современном искусстве, ссылаясь на то, что они еще слишком сырые.
Последний номер журнала был посвящен новоприбывшему Полу Стрэнду. Гравюры были напечатаны на обычной тряпичной бумаге, а не на ставшей привычной японской.
Родилась Straight Photography, а журнал кончился.
Бумажный дуализм
Судьба журналов Camera Work и Camera Notes, созданных Альфредом Стиглицом, сложилась так, что годится как иллюстрация в учебник диалектической логики. Во-первых, борьба и единство противоположностей. Camera Notes начался с пикторализма и статей Уильяма М. Мюррея, в духе «не только правда должна быть в фотографии», а Camera Work закончилась Полом Стрэндом, который за правду в фотографии и выступал. Закон отрицания отрицания: Camera Work появляется благодаря «смерти» Camera Notes. Журнал не закрылся после ухода Стиглица, но начал влачить жалкое существование, что к смерти можно приравнять. Но и Camera Work заведомо обречен. Как большинство изданий, сделанных под конкретного редактора. Как был обречен журнал Interview, исчезнувший вместе со смертью Энди Уорхола. В данном случае физической, а не ментальной. Закон перехода количественных изменений в качественные — это момент когда Стиглиц, как ему казалось, сделал уже все для фотографии и перешел с практического вопроса «как?» на экзистенциальный «зачем?».www.photographer.ru
Alfred Stieglitz (Альфред Стиглиц) - биография фотографа
 |
|
Альфред Стиглиц (Штиглиц) родился в зажиточной семье эмигрантов из Германии. Еще подростком он любил наблюдать за работой фотографов, иногда даже выссказывал свои предложения по обработке негативов.
В 1881г. Стиглиц поступает в Высшую техническую школу в Берлине на машиностроительный факультет. Позже, открыв в себе тягу к художеству, он увлекается литературой и живописью. В 1883г. покупает первую свою фотокамеру, берет частные уроки у профессора-фотохимика Германа Вильяма Фогеля.
Много путешествуя по Европе, он фотографировал все что видел. Стиглиц много экспериментировал, испытывал возможности фотоаппарата. И уже в 1887г. ему была присуждена серебряная медаль лондонского конкурса фотографов-любителей.
В 1890г. Альфред возвращается в Нью-Йорк и занимается изготовлением гравюр. Однако не забывает развивать свое фотомастрество, за которое получает более 150 наград в виде премий и медалей на различных фотоконкурсах и выставках по всему миру.
С 1893г. по 1896г. Альфред Стиглиц работает редактором журнала "American Amateur Photographer" ("Американский фотограф-аматор"). А после занимается развитием издания "Camera Notes".
В 1902г. по просьбе директора "National Arts Club" Чарльза Де Кея Альфред берется организовать выставку современной американской фотографии. Он основывает группу фотографов под названием "Photo-Secession", которая должна была отбирать работы для фотовыставки. Позднее под этим названием образуется клуб, основными членами которого были Эдвард Стейхен, Кларенс Уайт, Франк Юджин, Гертруда Кейзебир, Фредерик Холанд Дэй. Три года спустя по замыслу Стиглица была образована "Маленькая галерея Photo-Secession" ("Little Galleries of the Photo-Secession"), известная широкой публике под названием "Галеря 291". На протяжении 14 лет журнал "Camera Work" стал основным печатным органом группы.
В 1917г. Стиглиц закрыл "Галерею 291" из-за отсутствия финансирования, так как расстался со своей женой и ее состоянием. Причиной развода послужили отношения Альфреда с Джорджией О'Киф. Они узаконили свои отношения в 1924г. С разницей в возрасте в 24 года они успешно сотрудничали в работе и смогли пронести любовь до самой смерти известного мастера. Правда периодически О'Киф увлекалась кем-либо из окружения Стиглица. Известно, что у нее были романы с Полем Стрендом, Анселем Адамсом, а также отношения с любовницей самого Альфреда - женой Пола Стренда.
Альфред Стиглиц был легендарной личностью, великим мастером фотоискусства, о чем свидетельствует популярность его фотографий. Работы фотографа печатались на страницах многих книг и журналов, представлялись на выставках. Стиглиц считается первым фотографом, работы которого удостоились статуса музейных экспонатов.
www.photo-sborka.ru
Мастер фотографии - мастер обработки фотографий, мастер работы с фотографиями – ФотоКто
В 1905 году группа «Фото-Сецессион» открыла Маленькую галерею в доме 291 на Пятой авеню в Нью-Йорке. Галерея была построена по проекту Стейхена. Стиглиц стал директором. В течение следующих двенадцати лет фотографии членов группы выставлялись рядом с картинами и рисунками Матисса, Марина, Хартли, Вебера, Руссо, Ренуара, Сезанна, Мане, Пикассо, Брака, Пикабиа, Доува, О’Кифф, скульптурами Родена и Бранкузи, японскими эстампами и резьбой по дереву африканских негров. Многие из этих художников впервые показывали свои работы в Америке, за много лет до потрясающей «Армори Шоу» 1913 года и задолго до того времени, когда какой-либо американский музей приобрел скульптуру Бранкузи или картину Пикассо.
В 1910 году Олбрайтская художественная галерея в Буффало, штат Нью-Йорк, уступила настойчивым уговорам Стиглица и передала музей группе «Фото-Сецессион» для организации международной выставки художественной фотографии. Пятьсот самых различных по стилю фотографий, от пикториального реализма до имитаций живописных полотен, были установлены на специально подготовленных стендах. Пятнадцать из них были куплены для постоянной выставки музея. Важная битва за официальное и достойное признание была выиграна. Фотографы радовались, но у Стиглица осталось очень мало денег после оплаты всех счетов, связанных с организацией выставки. Маленькая галерея, или Галерея «291», в которой все время проводились различные выставки, помогла ему оплатить расходы.
Журнал Camera Work также уделял много места репродукциям работ художников, печатал статьи художественных критиков и перепечатывал все, что писалось в газетах о любой художественной выставке в Маленькой галерее. Репродукции фотогравюр с картин и фотографии печатались регулярно. Некоторые фотографы, особенно Стиглиц в Америке и Эмерсон в Англии, предпочитали такую коммерческую форму распространения фотографий, а не выпуск отдельных больших изданий, в которых печатались бы только фотографии. Стиглиц был убежден в том, что с одного негатива можно сделать лишь один превосходный отпечаток, а потому он и считал любую фотографию такой же уникальной, как картина. Но это его убеждение было недолговечным.
В чем заключалось новое, кто был оригинален — эти вопросы обсуждались в каждом номере журнала, и Стиглиц, будучи отличным редактором, давал право любому писателю, фотографу и художнику открывать новое, искать свой путь. Это было очень дорогостоящее издание. Лучшая бумага и лучшие печатные формы, делавшиеся вручную гравюры, которые воспроизводились на «рисово-шелковой» бумаге и появлялись в каждом номере, дорогое макетирование каждой полосы — все это не делало журнал доходным. Годовая подписка (на четыре номера) стоила сначала четыре доллара, позднее — восемь, и к 1917 году, когда журнал временно не выходил, у него насчитывалось меньше сорока подписчиков. Один из самых выдающихся журналов страны перестал существовать, а вскоре закрыла свои двери и Галерея «291», или Маленькая галерея.
Сделанные Стиглицем фотопортреты его друзей, художников его студии — Джона Марина, Артура Доува, Марсдена Хартли, Джорджии О’Кифф, Чарльза Демута — были ясными и проникновенными, великолепно оттеняющими характер каждого из них. За те восемь лет, что прошли со времени закрытия Галереи «291» и открытия галереи «Интимит» в 1925 году, лучшие профессиональные достижения Стиглица были внушительно продемонстрированы на трех ретроспективных выставках, среди которых была выставка его фоторабот с 1886-го по 1921 год в галерее Митчела Кенерли в Нью-Йорке. Пресса превозносила их достоинства. В каталоге, выпущенном к этой выставке, Стиглиц, в частности, писал: «Моя мечта — добиться возможности получать неограниченное количество отпечатков с каждого негатива, отпечатков исключительно живых и неотличимых один от другого».
Стиглиц продолжал развивать собственные концепции фотографии, перестраивая свою работу в соответствии с новыми требованиями, смысл которых сводился к тому, чтобы вся площадь негатива была резкой. В своей новой галерее «Интимит» он организовал и провел выставку работ Пола Стрэнда, фотографа, подававшего большие надежды, которого Стиглиц давно взял на заметку. В 1924 году Стиглиц женился на Джорджии О’Кифф. В том же году бостонский Музей изящных искусств приобрел двадцать семь его фотографий, а Королевское фотографическое общество наградило Медалью прогресса.
В 1930 году он открыл студию «Америкэн Плейс» (American Place) в доме 509 по Мэдисон авеню в комнате номер 1710. Его камера большую часть времени бездействовала, так как он перенес сердечный приступ и редко покидал помещение галереи. Художники, с которыми он раньше занимался, получали признание во всем мире, и их работы поступали в лучшие музеи страны.
Уже при жизни Альфред Стиглиц был легендарной личностью, и еще за двенадцать лет до его смерти была опубликована книга, созданная группой фотографов, в которой деятельность Стиглица оценивается исключительно высоко. Стиглиц остается могучей фигурой в истории американского искусства, и постоянный интерес живущих ныне людей к его фотографиям (Джорджия О’Кифф навечно подарила все его работы различным музеям страны) является доказательством всеобщего признания Стиглица одним из выдающихся фотографов Америки.
fotokto.ru
Альфред Стиглиц
Альфред Стиглиц – человек-легенда. Считается, что именно ему, чуть ли не в одиночку, удалось доказать Америке, что фотография — вид искусства, а не простое фиксирование действительности. Он остался в истории не только как талантливый фотограф, на счету которого буквально сотни наград, но и как галерист, меценат, просветитель и теоретик фотографии.
Он родился в Америке, в Хобокене (штат Нью-Джерси), 1 января 1864 года. Его родители были иммигрантами из Европы, немецко-еврейского происхождения. Альфред был старшим сыном, кроме него в семье было еще пятеро детей. Отец, отставной военный, сделал все, чтобы дать наследнику прекрасное образование. Для этого семья даже на несколько лет вернулась в Европу, чтобы Альфред мог учиться в Берлинской Высшей технической школе. Именно там он начал всерьез изучать фотографию.
Как о большинстве великих людей, об Альфреде Стиглице ходят легенды. Например, говорят, что в детстве он любил наблюдать за работой фотографа местного ателье. Однажды мальчик спросил мастера, зачем тот ретуширует фотографии. «Я стараюсь, чтобы мои снимки выглядели более естественно», — ответит фотограф. «Мне кажется, так делать не надо», — заметил Альфред. И сам впоследствии почти не подвергал свои фото обработке.
Уже в 1887 году первые статьи Стиглица по эстетике фотографии и фотографической жизни Германии появились в британском «Amateur Photographer» и других европейских журналах. В том же году Альфред подал один из своих снимков на конкурс и выиграл главный приз, за ним последовали и другие награды. С этого момента его имя становится известным среди европейских ценителей фотографии.
Он много путешествовал по Европе с камерой, фотографируя пейзажи, жанровые сцены, людей, готовый ждать часами, пока сложится кадр. Это вообще был его принцип. Позже, в Америке, в 1923 году он так снимал свою знаменитую «Пятую авеню зимой», прождав в метель три часа, пока не появилась конка с возницей, хлещущим лошадей.
Родители Стиглица к тому времени уже вернулись в Америку, отец настаивал, чтобы его наследник тоже присоединился к семье. Стиглицу не хотелось возвращаться, европейская культурная жизнь гораздо больше соответствовала его характеру и притязаниям. Америка казалась ему косной, не способной должным образом воспринимать современное искусство. Впоследствии ему не раз приходилось убеждаться в этом. Но отец заявил, что не будет больше выплачивать сыну содержание, и Альфред переехал.
Американская фотография в то время развивалась в основном, в рамках постановочного портрета и сентиментального, опять же постановочного, жанра. И то и другое воспринималось как нечто вспомогательное, не представляющее самостоятельной ценности. Стиглиц же рассматривал фотографию как особый вид искусства; его возмущали высказывания знакомых художников, которые, увидев его собственные работы, говорили, что они лучше многих картин, но к искусству не относятся.
Он делал то, что не укладывалось в привычные для американского общества рамки, — бродил с камерой по улицам, снимал городскую жизнь, уголки города, его обитателей. Фактически, Альфред Стиглиц стал начинателем американского пиктореализма (живописной фотографии). Это действительно были фотокартины – которые никто не понимал.
Поняв, что для популяризации новой фотографии нужна трибуна, Стиглиц вступил в фотографическое общество, несколько лет был редактором журнала «American Amateur Photographer», а в 1902 году собрал группу единомышленников и основал сообщество «Photo-Session». В 1905 году он открыл галерею в Нью-Йорке на Пятой авеню, она называлась «Gallery 291» — по номеру дома. Здесь он выставлял свои работы, снимки других нью-йоркских фотографов, а также картины европейских художников: Руссо, Матисса, Сезанна, Пикассо и других. Выставки эти далеко не всегда имели успех, американское общество плохо воспринимало современное европейское искусство. В 1908 году выставка Матисса вызвала резкие нападки критики и недовольство соратников Стиглица. В 1911 году почти все работы Пикассо пришлось вернуть автору, продать удалось только две, хотя они стоили по 20-30 долларов. Да и то одну из них купил сам Альфред Стиглиц. «Мне было стыдно за Америку», — с горечью писал он.
В журнале тоже не все было гладко: Альфред оказался слишком авторитарным руководителем, плюс к его нестандартным взглядом на фотографию, и в конце концов его вынудили оставить пост редактора.
Личная жизнь также была полна перипетий. Стиглиц познакомился с художницей и фотографом Джорджией О’Кифф и между ними возник бурный роман. Законная жена Альфреда застала их во время съемки ню и выставила мужа из дому. Вместе с супругой Стиглиц потерял и ее деньги, на которые чаще всего и поддерживались его проекты. Он женился на любимой Джорджии, но любимую галерею пришлось закрыть в 1917 году, так как она была убыточной.
Тем не менее, творческая жизнь Альфреда Стиглица в это время складывается довольно успешно. В 1925 году он открывает крошечную галерею «Intimate», которая занимала всего одну комнату, но здесь прошло немало очень успешных выставок. У Стиглица много друзей и учеников. Он сам очень много фотографирует, и его работы постоянно появляются на страницах самых разных печатных изданий – от журналов до фотоальбомов. В 1930 году он открывает большую галерею «An American Place», которой руководит до конца своих дней.
Характер у Стиглица был сложный, он был большой собственник. Ему редко удавалось расставаться с друзьями и учениками, сохранив хорошие отношения. Ему казалось, что ученики, уходя в собственное творческое путешествие, предают его. Он сам страдал от этой своей черты, но не мог ничего поделать с собой, не понимая, что с какого-то момента начинает ограничивать своих последователей, мешает им развиваться в избранном ими направлении.
При всем этом трудно переоценить его влияние на развитие американской фотографии. По мнению критиков, он чуть ли не единолично «втолкнул» Америку в мир искусства XX века.
В 1938 году Стиглиц перенес инфаркт, за которым вскоре последовали еще два. Последние годы жизни он был очень слаб и практически не выходил из дому. Всеми его делами ведала его жена Джорджия О‘Кифф. Он зависел от нее материально и физически, что сильно его угнетало.
13 июля 1946 года Альфред Стиглиц умер после очередного сердечного приступа. После него осталось большое культурное наследство: огромная библиотека книг о фотографии, богатая переписка, коллекция фотографий известных мастеров и его собственные работы, большую часть которых он при жизни нигде не выставлял. Джорджия передала все это в крупнейшие американские музеи и библиотеки.
Жизнь Стиглица была полна страсти – прежде всего к фотографии. Одно из самых известных его высказываний таково: «Хочу обратить ваше внимание на наиболее популярное заблуждение насчет фотографии – термин профессиональная используется для удачных, по общему мнению, фотографий, термин любительская – для неудачных. Но почти все великие фотографии делаются – и всегда делались – теми, кто следовал фотографии во имя любви — и уж никак ни во имя наживы. Термин любитель как раз предполагает человека работающего во имя любви, так что ошибочность общепринятой классификации очевидна».
Имеется несколько ранних фотографий Альфреда Стиглица, которые представляют собой настоящие поэтические жемчужины, являющиеся и сейчас, спустя более полувека, образцами графического искусства. Повторяющиеся средние планы не преуменьшают эстетического воздействия снимков: голые деревья вдоль мюнхенской дороги в ноябре 1885 года, Паула, сосредоточенно пишущая письмо в Берлине летом 1889 года, остановка конки на Пятой авеню во время снегопада 1893 года, ночные, блестящие от дождя улицы возле нью-йоркского отеля «Плаза», нежные распускающиеся листочки молодого дерева, безразличный уборщик улиц на мокрой мостовой в «Весенних дождях» 1902 года и снимок, завершающий эту подборку вечно привлекательных фотографий, — «Третий класс» 1907 года.
В 1890 году, когда Стиглиц только что вернулся на родину после восьмилетнего пребывания в Германии, где он отказался от изучения инженерного дела ради фотографии, Нью-Йорк был первым городом, оказавшим на него сильное влияние. Позднее на фотографиях он выразил свое отношение, богатое поэтическими образами, к столь вдохновляющему зрительному стимулу. Это был не репортаж, который он создавал своей камерой, хотя его работа была исключительно правдива: его изощренный взгляд и великолепная техника позволили ему выйти за рамки ограниченных фоторассказов о событиях.
В более поздние годы Стиглиц говорил: «Я нахожу сюжеты в шестидесяти ярдах от своей двери». Тогда же он говорил и об «исследовании известного». В 1890 году эти соображения были новаторскими. То были дни сентиментальных, жанровых, композиционных и «высокохудожественных» фотографий, которые П. Г. Эмерсон, автор «Натуралистической фотографии», критиковал в Лондоне, но они все еще продолжали быть критерием совершенства в нью-йоркских фотоклубах, и эти надуманные изображения ежегодно вывешивались на стенах каждого художественного салона.
В свободное время Стиглиц бродил по улицам со своей «детективной камерой». Он делал репортажные фотографии и никогда их не увеличивал, не ретушировал, не делал никаких фотографических трюков. В этом он был последователем П. Г. Эмерсона, который в 1887 году первым поощрил его, наградив серебряной медалью и двумя гинеями. Это была первая из ста пятидесяти медалей Стиглица, которые он получил в 1880-е — как раз в те годы, когда выступал за отмену системы награждения медалями.
Стиглиц вступил в общество фотографов-любителей и стал редактором журнала этого общества — American Amateur Photographer. Он был приверженцем живописной фотографии и рекомендовал организовать новый ежегодный фотографический салон без учреждения призов и медалей. Это общество и нью-йоркский фотографический клуб в 1897 году объединились и образовали Camera Club, а Стиглиц был избран вице-президентом клуба и редактором журнала Camera Notes. В том же году в этом журнале была опубликована первая подборка фотографий «Живописные уголки Нью-Йорка».
Потеряв терпение в борьбе с упорным консерватизмом Camera Club, Стиглиц отказался от редактирования журнала Camera Notes и создал группу «Фото-Сецессион» (Photo-Secession), отделившуюся от Camera Club, в которую вошли Джон Г. Баллок, Уильям Б. Дайер, Фрэнк Эжен, Даллет Фюге, Гертруда Кезебир, Джозеф Т. Кили, Роберт С. Редфилд, Ева Уотсон Шутце, Эдвард Д. Стейхен, Эдмунд Стирлинг, Джон Френсис Страус и Кларенс Г. Уайт. Официальным органом группы был журнал Camera Work, издателем и редактором которого стал Стиглиц. Целью группы, сообщалось в ее официальном проспекте, было «объединить американцев, преданных яркой, живой фотографии… продемонстрировать все лучшее, что сделано членами группы или другими фотографами, и, прежде всего, придать достоинство профессии, которую до последнего времени считали ремеслом».
В 1905 году группа «Фото-Сецессион» открыла Маленькую галерею в доме 291 на Пятой авеню в Нью-Йорке. Галерея была построена по проекту Стейхена. Стиглиц стал директором. В течение следующих двенадцати лет фотографии членов группы выставлялись рядом с картинами и рисунками Матисса, Марина, Хартли, Вебера, Руссо, Ренуара, Сезанна, Мане, Пикассо, Брака, Пикабиа, Доува, О’Кифф, скульптурами Родена и Бранкузи, японскими эстампами и резьбой по дереву африканских негров. Многие из этих художников впервые показывали свои работы в Америке, за много лет до потрясающей «Армори Шоу» 1913 года и задолго до того времени, когда какой-либо американский музей приобрел скульптуру Бранкузи или картину Пикассо.
В 1910 году Олбрайтская художественная галерея в Буффало, штат Нью-Йорк, уступила настойчивым уговорам Стиглица и передала музей группе «Фото-Сецессион» для организации международной выставки художественной фотографии. Пятьсот самых различных по стилю фотографий, от пикториального реализма до имитаций живописных полотен, были установлены на специально подготовленных стендах. Пятнадцать из них были куплены для постоянной выставки музея. Важная битва за официальное и достойное признание была выиграна. Фотографы радовались, но у Стиглица осталось очень мало денег после оплаты всех счетов, связанных с организацией выставки. Маленькая галерея, или Галерея «291», в которой все время проводились различные выставки, помогла ему оплатить расходы.
Журнал Camera Work также уделял много места репродукциям работ художников, печатал статьи художественных критиков и перепечатывал все, что писалось в газетах о любой художественной выставке в Маленькой галерее. Репродукции фотогравюр с картин и фотографии печатались регулярно. Некоторые фотографы, особенно Стиглиц в Америке и Эмерсон в Англии, предпочитали такую коммерческую форму распространения фотографий, а не выпуск отдельных больших изданий, в которых печатались бы только фотографии. Стиглиц был убежден в том, что с одного негатива можно сделать лишь один превосходный отпечаток, а потому он и считал любую фотографию такой же уникальной, как картина. Но это его убеждение было недолговечным.
В чем заключалось новое, кто был оригинален — эти вопросы обсуждались в каждом номере журнала, и Стиглиц, будучи отличным редактором, давал право любому писателю, фотографу и художнику открывать новое, искать свой путь. Это было очень дорогостоящее издание. Лучшая бумага и лучшие печатные формы, делавшиеся вручную гравюры, которые воспроизводились на «рисово-шелковой» бумаге и появлялись в каждом номере, дорогое макетирование каждой полосы — все это не делало журнал доходным. Годовая подписка (на четыре номера) стоила сначала четыре доллара, позднее — восемь, и к 1917 году, когда журнал временно не выходил, у него насчитывалось меньше сорока подписчиков. Один из самых выдающихся журналов страны перестал существовать, а вскоре закрыла свои двери и Галерея «291», или Маленькая галерея.
Сделанные Стиглицем фотопортреты его друзей, художников его студии — Джона Марина, Артура Доува, Марсдена Хартли, Джорджии О’Кифф, Чарльза Демута — были ясными и проникновенными, великолепно оттеняющими характер каждого из них. За те восемь лет, что прошли со времени закрытия Галереи «291» и открытия галереи «Интимит» в 1925 году, лучшие профессиональные достижения Стиглица были внушительно продемонстрированы на трех ретроспективных выставках, среди которых была выставка его фоторабот с 1886-го по 1921 год в галерее Митчела Кенерли в Нью-Йорке. Пресса превозносила их достоинства. В каталоге, выпущенном к этой выставке, Стиглиц, в частности, писал: «Моя мечта — добиться возможности получать неограниченное количество отпечатков с каждого негатива, отпечатков исключительно живых и неотличимых один от другого».
Стиглиц продолжал развивать собственные концепции фотографии, перестраивая свою работу в соответствии с новыми требованиями, смысл которых сводился к тому, чтобы вся площадь негатива была резкой. В своей новой галерее «Интимит» он организовал и провел выставку работ Пола Стрэнда, фотографа, подававшего большие надежды, которого Стиглиц давно взял на заметку. В 1924 году Стиглиц женился на Джорджии О’Кифф. В том же году бостонский Музей изящных искусств приобрел двадцать семь его фотографий, а Королевское фотографическое общество наградило Медалью прогресса.
В 1930 году он открыл студию «Америкэн Плейс» (American Place) в доме 509 по Мэдисон авеню в комнате номер 1710. Его камера большую часть времени бездействовала, так как он перенес сердечный приступ и редко покидал помещение галереи. Художники, с которыми он раньше занимался, получали признание во всем мире, и их работы поступали в лучшие музеи страны.
Уже при жизни Альфред Стиглиц был легендарной личностью, и еще за двенадцать лет до его смерти была опубликована книга, созданная группой фотографов, в которой деятельность Стиглица оценивается исключительно высоко. Стиглиц остается могучей фигурой в истории американского искусства, и постоянный интерес живущих ныне людей к его фотографиям (Джорджия О’Кифф навечно подарила все его работы различным музеям страны) является доказательством всеобщего признания Стиглица одним из выдающихся фотографов Америки.
Camera Work в истории Сначала заметки, потом работа – 2, второй журнал Стиглица Виктория Марченкова Название предвещает разрушение предыдущему журналу Стиглица. Camera Work отсылает к фразе art work, часто употребляемой в среде движения Arts and Crafts. Американо-британское движение Arts and Crafts, бывшее на вершине своего развития с 1880-х до 1910-х, являлось ответом на промышленную революцию. Страх перед механизацией человечества породил желание делать вещи своими руками. На деле участники движения пользовались помощью машин, но процент вмешательства различался. Эстетика Arts and Crafts — это видимые швы, прямые линии и прямоугольная и нередко блочная форма. При сохранении художественности, Arts and Crafts предполагает четкость конструкции, а пикторальная фотография, напротив, размытое изображение. Обложку и логотип для первого номера разработал Эдвард Стайхен, деятельность которого в качестве художника и фотографа много лет после освещал Стиглиц. А вот сам номер Стайхену не был посвящен, хотя он и желал этого. Что-то там не заладилось, и героиней первого номера стала Гертруда Казебир. Важный аспект журнала — его иллюстрации. Стиглиц стремился к тому, чтобы фотогравюры максимально походили на фотографии, так что даже на выставке в Брюсселе в 1904 году, где висела подборка гравюр из журнала, многие думали, что они смотрят на оригинальные фотографии. Гравюры печатались на очень качественной бумаге японского плетения, которая практически не имела зерна и только недавно стала доступной. Стиглиц собственноручно проверял каждый экземпляр каждой гравюры и подправлял чернилами недостатки, вызванные попаданием пыли. Печатались гравюры первое время в Америке, а вскорости — в Германии. Еще до выхода первого номера был разослан рекламный проспект, оповещающий, что размер и количество изображений в издании будет зависеть от количества проданных подписок. Это, конечно, хороший стимул для людей агитировать своих друзей за покупку. Первый номер датирован январем 1903-го, в действительности вышел даже раньше — в середине декабря 1902 года. К этому моменту у журнала было 647 подписчиков. Ни Стиглиц, ни его редакторы не получали никакой зарплаты. Фотографам также не платили. Только авторы получали деньги за тексты. По своей структуре Camera Work был более подвижным, чем предыдущее детище Стиглица. На страницах журнала находилось место и современному визуальному искусству в целом (не только фотографии), и философам (например, Анри Бергсону), литераторам (в одном из номеров были опусы Гертруды Стайн) и даже анархистам (Стиглиц мог позволить себе разместить статью про «посудомойщика, официанта и редактора Revolutionary Almanac Гипполита Гавела»). Царствовавшая в журнале свобода была следствием общей неподотчетности. Из-за принадлежности Стиглица к Фотосецессиону существовала прочная ассоциативная связь между Camera Work и данной организацией, но в июле 1904 года Стиглиц дал на целую полосу «Воззвание к подписчикам», чтобы опровергнуть это мнение. Журнал функционировал как независимый орган и совсем не стремился к потере автономности. Редакторский состав перетек из одного журнала в другой: работавшие в Camera Notes Джозеф Т.Кили, Фуге and Джон Фрэнсис Страусс стали писать и редактировать для Camera Work. В 1905-м к ним присоединился литературный критик журнала Life Джон Барретт Керфут. Он писал юмористические пассажи как для Notes, так и для Work. Наиболее плодовитым и значительным автором Camera Work был Чарльз Каффин, который написал для журнала более тридцати текстов между 1903 × 1912 годами. В этот же период он написал некоторое количество книг по искусству. Между 1913-м и 1917-м, когда Каффин был главным арт-критиком в New York American, Стиглиц регулярно перепечатывал его ревю из газеты. Критику удавалось не впадать в крайности: то есть не упрощать и не быть высокомерным в своих статьях. Твердый поборник идей движения Arts and Crafts, он верил в то, что первейшая функция искусства — улучшать жизнь и художнику, и его аудитории. Второй наиболее важный поставщик статей в журнал был Садакичи Хэртманн, рожденный в Японии. Он был так неутомим в написании статей, что ему приходилось брать псевдонимы (самый популярный — Сидни Аллэн). Это давало возможность публиковать в одном номере сразу несколько статей. Он смоделировал себя на основе Уистлера и Уайльда. У него отмечали непостоянство взглядов. В один год Хартман писал: «Тщательность — убийца искусства» (1903. Эссе «Ценность очевидно бессмысленного и неаккуратного»), а уже на следующий год утверждал в статье, что строгие фотографические методы — наиболее выразительный инструмент. А спустя время и вовсе был перетянут конкурирующей организацией и начал критиковать и осмеивать Стиглица в своих статьях, чаще — завуалировано. Знаковые номера: неиллюстрированный выпуск «Что такое 291»; специальное издание от августа 1912 года, посвященное модернизму; и последний номер. В 1912 году Стиглиц задумывался о закрытии журнала (считал, что уже все сделал для фотографии). Такие же мысли одолевали его по поводу галереи 291, также известной как Малые галереи Фотосецессиона. Стиглиц создал 291 и управлял ей с 1905 по 1917-й. В июле 1914-го появился номер «Что такое 291». Пытаясь разобраться, чем стала галерея в умах и сердцах людей, Альфред Стиглиц послал письма двадцати-тридцати людям из разных частей Америки и Европы с просьбой вложить свои чувства к галерее в объем от десяти до пятнадцати тысяч слов. Вместо ожидаемых двадцати-тридцати писем пришли ответы от шестидесяти пяти: услышавшие об идее сами пожелали высказаться. Все письма были помещены в журнал без редакторской правки. Большинство ответов было от художников, причем не обязательно выставлявшихся в 291. Кроме Стайхена и Хэвиланд, единственными фотографами выпуска были калифорнийцы Энни Бригман и ее друг Фрэнсис Брюгиер. Остальные докладчики включали Бель Грин (библиотекаря J. P. Morgan), сестру Стиглица Сельму, «иллюстратора и писателя» Джуну Барнс и основных спонсоров 291, включая Агнес и Юджина Мейера. Среди восторженных друзей-дилеров и критиков был один скептик, Артур Хёбер, который написал, что он был свидетелем неистовых нападок в 291 на старую веру без помещения чего-либо на ее место. Он сожалел, что «Стиглиц отложил фотографию ради того, чтобы выставлять модерн-арт, так как в фотографии он велик». Стайхен предложил заменить Фотосецессион новой организацией, которая бы включала в себя не только визуальные искусства, но и писателей, поэтов, музыкантов и людей театра. Самой большой прелестью этого номера представляется наличие ответа лифтера из 291: «Я нашел в 291 дух, который воспитывает свободу, не предписывает никакого метода, не претендует на знание, никогда не порицает, но всегда вдохновляет тех, кто достаточно смел, чтобы быть дерзким, тех, кто чувствует только отвращение по отношению к идеалам и стандартам, установленным традицией». Еще раз — лифтер. Издание про модернизм от августа 1912 года не просто особое, а крайне отличающееся. В нем почти не было фотографий. Зато были тексты. В этом выпуске увидели свет два текста Гертруды Стайн — словесные портреты Анри Матисса и Пабло Пикассо. В редакционном предисловии проводится мысль о том, что эти тексты являют собой новую форму литературы: «дух постимпрессионизма выразил себя, наконец, в литературной форме». Публикация в Camera Work была для Стайн первой вообще где-либо, поэтому она с большой благодарностью отнеслась к Стиглицу. И была, в некотором смысле, связующим звеном между Альфредом и богемным кругом Парижа (еще одним связующим звеном служил Стайхен). Брат же Гертруды Лео Стайн отказался публиковать свои размышления о современном искусстве, ссылаясь на то, что они еще слишком сырые. Последний номер журнала был посвящен новоприбывшему Полу Стрэнду. Гравюры были напечатаны на обычной тряпичной бумаге, а не на ставшей привычной японской. Родилась Straight Photography, а журнал кончился. Бумажный дуализм Судьба журналов Camera Work и Camera Notes, созданных Альфредом Стиглицом, сложилась так, что годится как иллюстрация в учебник диалектической логики. Во-первых, борьба и единство противоположностей. Camera Notes начался с пикторализма и статей Уильяма М. Мюррея, в духе «не только правда должна быть в фотографии», а Camera Work закончилась Полом Стрэндом, который за правду в фотографии и выступал. Закон отрицания отрицания: Camera Work появляется благодаря «смерти» Camera Notes. Журнал не закрылся после ухода Стиглица, но начал влачить жалкое существование, что к смерти можно приравнять. Но и Camera Work заведомо обречен. Как большинство изданий, сделанных под конкретного редактора. Как был обречен журнал Interview, исчезнувший вместе со смертью Энди Уорхола. В данном случае физической, а не ментальной. Закон перехода количественных изменений в качественные — это момент когда Стиглиц, как ему казалось, сделал уже все для фотографии и перешел с практического вопроса «как?» на экзистенциальный «зачем?». Если бы эти два журнала имели под собой коммерческие цели, то их одновременное существование также было бы крайне успешно. Похожие, но борющиеся между собой, они могли бы захватить аудиторию фотографов целиком. И, кстати сказать, сама борьба, то есть полемика была бы увлекательна. В реальности сработала другая схема. Первый журнал уже содержал в себе идею второго, так как он предполагал рост, а рост в конечном итоге приводит к спаду и распаду. Альфред Стиглиц что наш Тимур Новиков. Про него тоже любят говорить, что он сначала был авангардистом, а потом надоело — и ушел в неоакадемизм. Искать правду (нестатичную в отличие от истины), не стоять на месте, чтобы смерть не догнала. А все равно догоняет. И тут, в строгом соответствии с диалектической логикой, на освободившееся место приходит другой искатель правды. Или другой журнал.
freedocs.xyz
Биография известного фотографа Alfred Stieglitz (Альфред Стиглиц)
 |
|
Выходец из богатой еврейской семьи, эмигрировавшей из Германии в Америку. Родился он 1 января 1864 года в штате Нью-Джерси, но юность провел в Европе, куда вернулась семья в 1881 году.
Там, в Германии, началось художественное развитие человека, ставшего впоследствии, одним из основоположников художественного развития всей Америки. Энциклопедия "Британика" отзывается о нем, как о человеке, который "почти в одиночку втолкнул свою страну в мир искусства XX века". Хотя начальную профессию для жизни выбрали для него родители, определив его на машиностроительный факультет в Высшую техническую школу. Вот только однажды, в 1893 году внимание Альфреда Стиглица во время прогулки по городу привлекла фотокамера, выставленная в витрине магазина. Приобретя ее, он открыл для себя увлечение, которое потом переросло в пылкую страсть.
Начальные знания о мастерстве фотографа он получал у Германа Вильяма Фогеля, профессора фото-химика, и у других фотографов Германии. Остальное – в окружавшем его мире. В течение нескольких лет он путешествовал по Европе, фотографируя пейзажи и моменты, которые считал достойными запечатления. Его хобби не осталось незамеченным мастерами фотографии и передовой публикой. Работы, экспонированные молодым фотографом, получили порядка 150 наград на европейских выставках.
С таким багажом таланта, трудоспособности, признания и страсти к любимому делу, Альфред вернулся в Америку в 1890 году. Хотя его молодой возраст – 26 лет - не давал ему возможности считаться зрелым мастером. Тогда Альфред вступает в общество фотографов-любителей, и позднее становится редактором журнала, которое издавало это общество. А еще позднее, в 1897 году это общество и Нью-Йоркский фотографический клуб объединяются в Camera Club, в котором Стиглиц уже занимает роль вице-президента, и по совместительству – пост главного редактора журнала Camera Notes. Вот только консерватизм взглядов, присущий членам этого клуба не позволили Стиглицу полностью раскрыть публике потенциал, присущий живым, ярким, пейзажным фотографиям, которыми он был одержим.
Стиглиц находит единомышленников такой приверженности делу фотографии и объединяет их в общество "Фото сецессион" (Photo Cesesion), открывшее в 1905 году маленькую галерею в доме № 291 на Пятой Авеню Нью-Йорка. Задачей группы было "объединить американцев, преданных яркой, живой фотографии, чтобы продемонстрировать все лучшее, что сделано членами группы или другими фотографами, и, прежде всего, придать достоинство профессии, которую до последнего времени считали ремеслом".
"Галерея-291" проводила не только выставки фоторабот членов клуба, но и выставки величайших современных европейских художников: Брака, Родена, О’Киф, Матисса, Ренуара, Сезанна, Мане, Пикассо. И хотя они не всегда сопровождались успехом публики, Стиглиц все же настойчиво приучал Америку к искусству.
Он умер в 1946 году, оставив наследие фотоснимков, вошедших в список самых известных работ, он проложил путь искусству фотографии в мир культуры и искусства, и кого, как не его можно назвать "богом фотографии" начала ХХ столетия.
www.photosborka.ru
Вака Анна — главный редактор и создатель журнала Memoriess
Вака Анна — главный редактор, создатель журнала «Memoriess», fashion-фотограф, графический дизайнер. Впервые на страницах журнала, расскажет об идеи создания глянца, о радостях и сложностях в своей профессии. Поделится секретами о модной, творческой индустрии и планами на будующее. О том, как все начиналось…
Memoriess New Life: Привет, Аня! Расскажи, с чего все началось в твоей карьере главного редактора и фотографа модного журнала?
Анна: Привет! Все началось еще в школе. Мне посчастливилось учиться в общеобразовательной-художественной школе № 1188. Все это, благодаря моей маме! Именно она вовремя заметила у меня талант к искусству. В такой школе — творческим людям учиться — одно удовольствие. Все сделано и продумано, чтобы дети занимались любимым делом, творили. Школа подарила мне свободу в выражении себя. Далее Университет Печати им. Ивана Федорова. Университет очень отличается от остальных ВУЗов тем, что помимо навыков рисования и т д, тебя учат ВИДЕТЬ и хотеть ВИДЕТЬ окружающий мир, в котором скрыты ответы на все вопросы. Учеба в нем помогла мне получить не только нужные навыки, но еще и научиться искать вдохновение, общаться с творческими людьми, ПАХАТЬ! Попробуйте сдать хоть 1 сессию! (смеется), выражать себя и не бояться отличаться от всех! Я всегда знала, что как только я пойму, что обладаю достаточными навыками и знаниями, чтобы заняться любимым делом, — я тут же его начну. Признаюсь, у меня была не 1 и не 2, и не 3 работы в офисе. Я пробовала себя в разных сферах, но они обязательно должны были быть связанны с творчеством. И каждый раз я старалась находить самое полезное в работе и мотать на ус. Так и получилось попробовать себя в разном виде дизайна. Поэтому я с гордостью могу сказать, что я высококвалифицированный специалист в художественной сфере c высшим образованием, чем не каждый фотограф, дизайнер или главный редактор могут похвастаться.
На создание журнала меня подтолкнуло одно из заданий в Университете. Но мне захотелось сделать немного по -своему. Я не стала переделывать чужой уже существующий журнал, как было в задании и просто верстать по картинкам, я решила создать свой! Перед созданием журнала у меня уже был проект, и он существует до сих пор с одноименным названием «Mеmoriess». МЫ с командой были одни из прародителей ФОТОДНЕЙ. Рынок не был настолько разбалован и поэтому творческая профессия считалась востребованной. От клиентов не было отбоя. При этом я работала в офисе, и по выходным с командой мы проводили съемки. Спустя какое- то время я поняла, что это и есть моя любимая работа. Но посвящать ей только выходные- это мало для меня. Пора пробовать воплощать мечту. Мне всегда хотелось собрать в одном месте огромное количество талантливых людей! Представляете сколько их? А сколько еще тех, о ком никто не знает, но они не менее талантливы? Вот так и появился журнал о таланте и красоте — «Mеmoriess». Первый интеллектуальный глянцевый журнал о таланте и красоте, где специалисты публикуют прямые контакты, что позволяет наиболее комфортно и быстро выстроить коммуникацию с потенциальным клиентом.
Memoriess New Life: Кто был твоим наставником в нелегком деле создания проекта и журнала? Как ты набирала свою команду?
Анна: Когда у тебя появляется идея, первым делом ты хочешь поделиться ею с человеком, которому ты доверяешь и который такой же, как и ты — чокнутый (смеется).Таких людей было несколько, и каждый меня поддержал. А некоторые стали сразу частью команды.
Мой муж и мои родители — самая большая поддержка, и если бы не они, то ничего бы не было. Именно благодаря им и их вере в меня, даже более сильной, чем у меня самой, все началось и получается по сей день! На первых этапах именно моя семья и была моей командой. Сестра — прекрасная и уже известнаяя модель, Муж — видеооператор и директор по развитию, мама — стилист/визажист и косметолог, папа — организатор и координатор. Да такая вот у меня творческая семья) И вместе нам удалось создать ПЕРВЫЙ ВЫПУСК журнала, который дал начало огромной деятельности.
Команда… творческий человек — никогда не сможет работать на «дядю». Поэтому и люди в команде чаще всего, через какое-то время тоже хотят создать свое собственное. Так было в начале. Поэтому сейчас я понимаю, что команда — это огромное количество людей, которые по большей части проектные. У каждого из них есть своя работа, свое дело и они с удовольствием примут участие в твоих проектах. Творческим людям всегда нужна свобода, их невозможно приручить. Но также есть такие люди, которые не просто команда — они часть проекта, часть журнала. Они могут не всегда быть рядом, но их вклад огромен. На данный момент мне посчастливилось найти единомышленников, с которыми мы создали компанию ООО «Меморисс».
2013 годMemoriess New Life: Почему проект и журнал назвали: «Memoriess»? Какие ещё были идеи в названии?
Анна: Названий было огромное количество, но, конечно, хотелось, чтобы оно несло какой-то смысл. Я очень люблю творчество 70х‑2000‑х годов и считаю, что нам есть, чему учиться у прошлых поколений. Даже сам фирменный стиль проекта и журнала сделан в стиле ретро.
Memories — память, воспоминание. Так как наш проект связан с фото и видео съемкой, — он создает воспоминания через фотографии. Так же и журнал «Memoriess» наполнен специалистами, создающими моменты, которые становятся в последствии прекрасными воспоминания для тех, кто пользуется их услугами. Две буквы s на конце просто не большой акцент для названия.
На данном этапе мы создали еще несколько проектов и каждый из них связан с названием «Memoiress». С сентября 2016 года мы решили добавить в название приставку — New Life. Теперь мы «Memoriess New Life», что в переводе означает — воспоминания новой жизни.
Memoriess New Life: Какой у журнала концепт? На какой контингент он рассчитан? Создавая его, ты ориентировалась на какие-то западные или русские аналоги? С какими проблемами сталкивалась?
Анна: Журнал был исключительно о фотосъемках и о талантливых людях. В связи с созданием новых проектов и расширением, мы стали писать о большем. Добавили в него разделы — Family, ЗОЖ, Психология, Дискуссии со звездами, ВКУСНО. Теперь наш журнал интересен не только творческим специалистам и их клиентам, но и обычным людям, которые интересуются модой, психологией и просто ведут активный образ жизни. Да, соглашусь, что большая часть читателей — женщины. Но возраст варьируется от 8 лет до 100 лет. Мы стараемся создавать такие статьи, которые были бы интересны каждому возрасту.
Аналогов нашему журналу нет. И это подтверждают как читатели, так и партнеры. И при его создании очень многие говорили — бери и копируй «Vogue». А я, наоборот, делаю все, чтобы он не был на него похож. Зачем миру еще один «Vogue»? Единственный журнал, который запал мне в душу, — это «BAZAR». Только тогда, когда Арт директор его был — Алексей Бродович. Великий человек! Я вдохновляюсь его креативом и его вкусом. И очень жалко, что нельзя взять и сделать журнал полностью так, как видишь, только потому, что он не станет коммерческим. Приходится подстраиваться под читателя, если ты хочешь, чтобы твой журнал читали. К сожалению, в России еще не так развит креатив да и творчество в общем. Я думаю, со мной многие согласятся. Никак еще не выветрится дурной вкус. И очень сложно прививать креативные и интересные вещи обществу. Крайне мало людей и партнеров, которые, как и мы, стараются изменить положение. За границей дела обстоят куда лучше. То, что у них было модно 2 года назад, у нас только появляется. Поэтому хорошо, что у меня есть возможность работать со своей сестрой — моделью — Вака Дашей, которая систематически работает за рубежом и привозит много чего интересного.
С самой большой проблемой я сталкиваюсь часто — это копирование и плагиат. К сожалению, или к радости на самых первых этапах уже начинали воровать идеи журнала. Бывало такое, что копировали даже текст о самом журнале! Не понимаю таких людей, которые не могут создать и придумать, что-то свое. Тоже самое касатеся и других проектов.
Memoriess New Life: Расскажи, чем твой журнал отличается от других? Анна: Я уже ответила на этот вопрос в прошлом. Но хотела бы добавить, что мы отличаемся от других журналов, благодаря нашим креативным съемкам, интересной верстке, ярким обложкам, а самое главное, подписи прямых контактов. Именно мы первые, кто публикует прямые контакты всех, кто у нас появляется на страницах. И журналистов и фотографов, и моделей.
Memoriess New Life: Твоя сестра, известная и успешная модель Дарья Вака, в интервью нашему журналу как-то призналась, что ты выбрала работу в модном мире, но по другую сторону камеры. С чем это связано? У тебя не возникало желания перейти в обратном направлении?
Анна: Самой не верится, но когда мне было 16, я была тоже моделью. К сожалению, в мои 13–16 лет модельный бизнес в Москве считался чем — то грязным. Поэтому, когда меня стали еще в юности приглашать на кастинги, — я отвергала все предложения и даже не рассказывала никому. И только к 16 годам мы все- таки с мамой ответили на одно сообщение. Тогда я получила свое первое портфолио, первые походы на телепередачи и съемки, кастинги. Но я понимала, что нужно модельное агенство. Но к тому времени мне уже было 17. И конечно, агенства заинтересованы более молодыми девочками, чтобы с ними можно было подписывать договор (обычно до 18 лет), чтобы был смысл создавать из тебя модель и зарабатывать на тебе. Поэтому я решила сама ходить и участвовать. Но с каждым разом понимала, что это не мое. Сколько раз, принимая участие в клипах и т д, — мне хотелось полностью переделать весь сюжет, хотелось сказать: «Режиссер, ты не видишь, что надо вот так»? иногда у меня это даже получалось и ко мне прислушивались.) То же самое происходило и на съемках или на мероприятиях, где меня почему-то выбирали всегда лидером, который еще и за всех отвечал. Ну не могла я одевать то, что мне давали, делать то, что мне говорят (смеется). Зато мне хотелось придумать съемку, собрать команду, воплотить идею в жизнь. Тем более потом я поняла, что в Москве моделью не заработаешь. И нужно ездить за границу. И там я побывала. Но встал выбор — личная жизнь или поездки? Конечно личная жизнь.) Ведь по ту сторону камеры я добьюсь куда больше.)
Как раз первой моей моделью стала сестра. И уже с первых кадров я поняла, что у нее есть будущее. Мало кто сумеет в 13 лет настолько профессионально начать позировать, а главное правильно! Да и по росту и фигуре было понятно, что пора ее отдавать в модельное агенство. Так и произошло.) Теперь она известная модель, которая почти все свое время находится за границей. Участвует в самых модных показах, рекламирует самые дорогие бренды и снимается для самых ведущих журналов мира. И я счастлива, что она лицо журнала «Mеmoriess».
Memoriess New Life: Помимо редакторской деятельности ты ещё и прекрасный организатор, фотограф и ретушёр. Что для тебя фотография? Когда ты начала пробовать себя как фотограф, и как это переросло в профессиональную сферу?
Анна: Мне кажется я фотографировала всю жизнь. Конечно, не всегда это было на какие-то профессиональные камеры.
Но мне всегда не хватало фотоаппарата. Идешь по улице и видишь кадр. И думаешь: «Вот бы сюда фотоаппарат»! В моем детстве еще не было телефонов с камерой. Они начали появляться в старших классах. Вот тогда мои телефоны были забиты фото и видео съемками. Для меня фотография — это часть памяти. Я пытаюсь фотографировать или записывать разнообразные моменты жизни. С самого моего детства все Дни Рождения или праздники удавалось снимать на камеру и фотографировать моим родителям. Мне это так запомнилось. Теперь через много лет — как прекрасно смотреть снимки, которые были сделаны лет 20 назад. Поэтому даже если нет под рукой фотоаппарата, — есть телефон, который отлично сохранит новый и уникальный момент жизни.
Я, наверно, даже рисовать начала только для того, чтобы удавалось сохранить момент из жизни на бумаге. В профессиональную сферу моя любовь к фотографии переросла, когда рука была набита, рынок изучен. И появилась вера в себя. Ведь купить дорогостоящее оборудование, если ты не собираешься его окупать, — бессмысленно. Первую свою съемку я провела в роли организатора.) Я должна была на 1000000% знать все детали и все нюансы, ведь я собиралась делать фотосессии под ключ.
И вот так пара съемок… и уже руки сами чешутся) Первую съемку в студии я провела так, будто каждый день ее провожу.
Все получилось замечательно. Правда, было сделано около 500 фотографий.) И половину я отредактировала и отдала модели.) Очень долго я не могла привыкнуть, что не обязательно отдавать такое количество фотографий. Но, а как же? Они же все классные (смеется)!
Спустя только год, наверно, я наконец — то научилась из лучших выбирать -лучшие. А сейчас, благодаря огромному рынку, можно найти помощника ретушера, который облегчит тебе задачу в 10 раз.
Memoriess New Life: Многие люди удивляться почему цены на фотосессию или фотографа такие высокие? С чем это связано?
Анна: Как можно говорить о цене, когда тебе создают воспоминание?
Есть же такие фотосессии, которые делаются раз в жизни. Свадьба, крещение, выписка из роддома, беременность, семейные и детские фотосессии и т д. Экономить на фотографе -это экономить на самих себе. Некоторые приходят на фотосессию и не берут себе стилиста или одежду. Фотограф не волшебник — он может запечатлеть только то что есть. Поэтому есть обязательные люди на съемке: Стилист, который сделает вам прическу и макияж, фотограф. Конечно лучше еще воспользоваться услугами аренды одежды. Чтобы гармоничнее и увереннее выглядеть на съемке.
Цены на фотографа варьируется от его опыта, востребованности и от того, какое у него оборудование. Чем меньше стоимость услуг фотографа, — тем меньше у него опыта. Цена фотографа в час должна быть не меньше 3000–5000 р. Если цена ниже, вас должно это насторожить.
Я убедилась в этом сначала на своем грустном опыте. Я сэкономила на свадебном фотографе! До сих пор не понимаю как так получилось! Мало того, что у меня осталось совсем немного фотографий, так еще и качество просто ужасно. И чтобы это как-то исправить, я решила отдать фотографии другому ретушеру, который запросил такую же сумму, как сам фотограф. Вот что значит — скупой платит дважды… Но, благодаря этому опыту, я начала снимать свадьбы. Я как никто понимаю, что такое испорченные фотографии, что чувствуют молодожены, когда фотограф их так подводит. Поэтому я стараюсь сделать все возможное и невозможное на свадьбах, чтобы фотографии вызывали только радость и восхищение.
Memoriess New Life: Что больше всего тебе нравиться фотографировать? Анна: Я люблю фотографировать людей. И конечно, больше всего мне нравятся творческие или рекламные съемки. Где можно с командой творческих людей создать ТАКОЕ, чем будешь гордиться еще долго.) Такие съемки как раз можно найти в журнале.
Но так же я очень люблю фотографировать детей и праздники с ними. Эмоции такие искренние! Семейные и свадебные съемки — это большой труд! я всегда подхожу к таким съемкам серьезно. Ведь чаще всего на таких съемках присутствует много людей, а иногда это маленькие дети, беременные женщины.) Поэтому я стараюсь еще до съемки создать настолько комфортное общение и подготовку, чтобы участники съемки уже заранее знали, что их ждет праздник. Я стараюсь всегда придумать интересные идеи, помогаю подобрать образы, советую, что лучше с собой взять, а что лучше докупить. Для каждой съемки я подбираю музыку — иногда даже сами участники высылают любимую.) Делаем заготовки, подбираем студии, одежду, стилистов. Ведь моя команда состоит из огромного количества профессионалов. Участники сами могут выбрать себе стилиста из предложенных вариантов или довериться моему выбору.) Нередко мы устраиваем фотодни. Многие думают — тратить деньги на просто карточки? Фотосессия — это не просто карточки. Это своего рода — психотерапия) Новые эмоции, новое видение себя, примерка нового образа на себе. Наслаждение вспышками и вниманием. А затем и восторг от итога.) Как часто я слышу: «Это я?!» «Неужели я такая красивая»? Мне кажется, каждой девушке и женщине необходимо иногда баловать себя такими съемками для эмоционального отдыха и поднятия уверенности в себе. Причем фотодни намного демократичней по цене и доступны всем. На такие фотсоессии можно приходить с подругами.)
Всем хотела бы посоветовать брать фотографа с собой везде и повсюду)
Memoriess New Life: Есть ли у тебя любимый выпуск?
Анна: Мой любимый это СПЕЦВЫПУСК 2015–2016.)) Почему? потому, что в нем было собранно все самое-самое за целый год.) Иногда я открываю любой из выпусков журнала и вспоминаю — сколько же тут проделано работы… Каждая фотография, каждый текст, особенно с учетом того, что я сама верстаю журнал. Ты запоминаешь каждую точечку. Поэтому каждый номер любимый! Memoriess New Life: В октябре 2016 года вышел новый выпуск журнала «Memoriess». Он приобрёл более широкий формат, качественно новый уровень. По-моему мнению, стал ещё интереснее и ярче. Кто привёл журнал к таким реформам? Как он будет меняться дальше?
Анна: Как я уже и говорила, мы расширились. И теперь нас трое. И мы создали еще несколько проектов. Проект «New Life» — преображение для женщин, детский лагерь «Mcamp». И конечно же, нам захотелось писать о большем. Наша аудитория стала разнообразной, и мы вместе решили его немного видоизменить. Помимо этого, теперь электронная версия журнала выходит каждый месяц. В будущем я хочу, чтобы журнал стал еще более толстым. И проводить еще больше креативных фотосессий. А также рассказать на страницах о самых талантливых людях.
Memoriess New Life: Какую звезду мирового масштаба ты бы хотела разместить на обложке «Memoriess»?
Анна: Джони Деппа, причем, конечно же, провести фотосессию лично) Бреда Питта, Линдси Лохан) Или Леди Гага) Вот бы мы с ней оторвались на съемке!
Memoriess New Life: Ты принимаешь участие в фотосессии или интервью практически со всеми звёздами, кто публикуется в журнале. С кем особенно запомнилось сотрудничество? Часто ли звезды капризничают? Как ты решаешь конфликтные ситуации, если они возникают?
Анна: Я давно поняла, чем выше уровень у звезды да и вообще, чем человек умнее, тем с ним, как правило, меньше проблем. Ведь шумит только тот, кто ничего из себя не представляет. Видимо, мне повезло работать с профессионалами, и капризных «Звезд» почти не попадалось. Поэтому я не помню за всю историю журнала, чтобы с кем-то был какой-то конфликт. Я стараюсь заранее все узнать о человеке, который интересует, с которым ты хочешь сделать материал, ведь Москва — большая деревня и если ты в этих кругах, тебе расскажут все о каждом.) Так как журнал выходит раз в квартал, то обложек у нас еще не так много было. Но по большей степени запоминаются именно они. Хотя конечно, многое зависит от темы выпуска. Из самых креативных съемок мне запомнился злой Хеллоуинский номер с Еленой Берковой на обложке. Именно для этого номера мы перевоплощали каждую звезду, которая публиковалась у нас. Это было здорово! Я была удивлена, что медийные личности радостно реагируют на такие съемки, видимо, им наскучили одни и те же фотографии в платьишках и пиджаках. А что касается именно самой звезды, так это Наталия Медведева. Никогда не забуду эту съемку! Я фотографировала ее ровно 20 минут! В трех образах! Когда с некоторыми и за 6 часов такое не выходит. И как же было сложно выбрать обложку! Из миллиона фото — миллион прекрасных кадров. Я восхищена ею и благодарна своей команде, что они так быстро и качественно все сделали, для того чтобы у меня было целых 20 минут!
Ну и кончено, запомнилось мое первое интервью со звездой моего детства. C Оксаной Почепа (Акула). Сколько было радости, когда я лично, сидя с ней в кафе брала у нее интервью! Я была ее фанатом.) Моя мечта осуществилась.)
Memoriess New Life: Ты говоришь, вы запустили еще проекты. Расскажи про них подробнее. Анна: Да, мы запустили, помимо фотосессий и журнала, еще 2 проекта. Проект «New Life» — для внутреннего и внешнего преображения женщин, «Mcamp» — звездный лингвистический, детский лагерь.
Memoriess New Life: И как ты вообще все успеваешь? Влияет ли это на личную жизнь?
Анна: Благодаря тому, что нас теперь трое, есть поддержка и уверенность. Да, конечно, у нас много задач, в связи с большим количеством проектов, но мы уверены в себе и двигаемся в правильном направлении.
На личную жизнь, конечно, влияет. И семья для меня всегда будет на первом месте. Я очень стараюсь все совмещать. Да, иногда это не получается. Случаются форс мажоры и приходиться жертвовать какими -то встречами или семейными сборами или ужином с мужем. Но слава богу, это не так часто происходит. И как хорошо, что у меня понимающий муж. Я считаю, что при правильном подходе, совмещать личную жизнь и карьеру — возможно.
Memoriess New Life: Какое будущее ты видишь у журнала и у проектов? Что бы ты пожелала читателям в Новом 2017 году?
Анна: Я вижу, что исполнятся наши мечты. Что мы сможем помочь огромному количеству женщин. Журнал будет становиться все более и более популярным. Наши семьи будут расти, и мы, как бизнес леди, будем умудряться совмещать все, и все успевать.
Пожелать я хочу всем веры в себя. Пробовать себя в разных сферах и искать свое любимое дело. Любить себя. Дорожить своей семьей. И никогда не сдаваться!
memoriess.ru
Альфред Стиглиц Alfred Stieglitz - Справочные материалы о фототехнике и фотографии.
Альфред Стиглиц Alfred Stieglitz
1 января 1864 г. Родился в Хобокене, штат Нью-Джерси.
1867 г. Переехал с семьей в Нью-Йорк.
1881 г. Семья вернулась в Германию, чтобы дети получили хорошее европейское образование.
1882 г. Начал учиться на отделении инженеров-механиков в берлинской Высшей технической школе и в Берлинском университете.
1883 г. Приступил к обучению в студии Г. Фогеля.
1885 г. Стал периодически публиковать свои фотографии и статьи в профессиональных европейских и американских журналах.
1887 г. Получил свою первую фотопремию на лондонском конкурсе фотографов-любителей.
1890 г. Вернулся вместе с семьей в США и стал совладельцем мастерской фотогравюр.
1893 г. В течение четырех последующих лет пробовал себя в разных направлениях: являлся главным редактором журнала «Американский фотограф-любитель» (American Amateur Photographer), создал новое объединение нью-йоркских фотографов «Камера-клаб оф Нью-Йорк» (The Camera Club of New York) и стал его вице-президентом.
1897 г. Занял пост редактора собственного издания «Камера ноутс» (Camera Notes).
1902 г. Основал авангардное движение «Фото-Сецессион» (Photo-Secession).
1905 г. Создал собственную галерею «Маленькая галерея Фото-Сецессион» (Little Galleries of the Photo-Secession), более известную под названием «Галерея 291».
1916 г. Познакомился с молодой художницей Джорджией О’Киф и организовал выставку ее работ у себя в галерее.
1924 г. Женился на Джорджии О’Киф.
13 июля 1946 г. Умер от сердечного приступа в Нью-Йорке.
Альфред Стиглиц (Alfred Stieglitz) - американский фотограф, владелец нескольких галерей, издатель, родился 1 января 1864 года в городе Хобокен, штат Нью-Джерси. Он был старшим ребенком в богатой еврейской семье выходцев из Германии. В 1867 году семья переехала из Хобокена в Нью-Йорк, а в 1881 году вернулась в Германию для того, чтобы дети получили хорошее европейское образование. Альфред, начиная с 1882 года, учился на отделении инженеров-механиков в берлинской Высшей технической школе и в Берлинском университете. Помимо учебы, основную часть времени он посвящал фотографии. С 1883 года Стиглиц начал обучение в студии Г. Фогеля, ученого-фотохимика, который делился с ним научными и техническими основами фотографии. С 1885 года Стиглиц периодически публиковал свои фотографии и статьи в профессиональных европейских и американских журналах, а в 1887 году получил свою первую фотопремию на лондонском конкурсе фотографов-любителей. В США Стиглиц вернулся вместе с семьей в 1890 году и стал совладельцем мастерской фотогравюр. В течение 10 лет он получил более 150 различных премий и наград и завоевал репутацию одного из значимых специалистов фотоискусства.
Четыре года, начиная с 1893 года, Стиглиц посвятил поискам себя. Сначала он стал главным редактором журнала «Американский фотограф-любитель» (American Amateur Photographer), через год ушел из мастерской фотогравюр, еще через год – с поста редактора, после чего создал новое объединение нью-йоркских фотографов «Камера-клаб оф Нью-Йорк» (The Camera Club of New York) и стал его вице-президентом, в 1897 году занял пост редактора собственного издания «Камера ноутс» (Camera Notes).
В 1902 году Альфред Стиглиц основал авангардное движение «Фото-Сецессион» (Photo-Secession). Официальным печатным органом группы на следующие 14 лет стал журнал Camera Work, а уже в 1905 году у него появилась собственная галерея «Маленькая галерея Фото-Сецессион» (Little Galleries of the Photo-Secession), более известная под названием «Галерея 291». Такое название галерея получила благодаря своему адресу: Пятая авеню, 291. В ней выставлялись не только фотографии, но и картины современных художников – Матисса, Ренуара, Сезанна, Мане, Пикассо, Брака, Родена, О’Киф. Не всегда выставки пользовались успехом, некоторые вызывали недовольство даже товарищей Стиглица по Camera Club, не говоря уже о нападках критиков. В 1911 году провалилась выставка-продажа картин Пикассо. Из сотни работ был продан только один рисунок, второй купил сам Стиглиц.
В 1916 году в своей галерее Стиглиц выставил работы молодой художницы Джорджии О’Киф, при этом даже не спросив разрешения у нее самой. Узнав об этом, Джорджия потребовала снять свои картины, но Стиглиц отказал. Эта встреча положила начало сотрудничеству, дружбе и любви, которые продлились долгие годы.
Вскоре жена Стиглица, из состояния которой в основном и финансировались его многочисленные творческие проекты, застала мужа за съемкой обнаженной Джорджии и выгнала их обоих из дома. Через некоторое время супруги окончательно расстались, и в 1924 году Стиглиц и О’Киф узаконили свои отношения. Однако идиллия длилась недолго.Свободолюбивая Джорджия не раз влюблялась в учеников Стиглица, уезжала, жила как ей нравилось, но всегда возвращалась назад. Впрочем, и сам Стиглиц не отличался безгрешностью: у него были любовницы, одной из которых стала жена его любимого ученика Пола Стренда. Но самой тяжелой для Джорджии оказалась связь мужа с 22-летней ученицей и моделью Дороти Норман. В 1929 году О’Киф ушла от Стиглица и переехала в штат Нью-Мексико, где пыталась «возродиться из пепла» при помощи творчества. И это ей удалось – именно благодаря работам того периода она получила всемирное признание после смерти Стиглица.
Летом 1946 года у Стиглица случился очередной сердечный приступ. Умер он, так и не придя в сознание, 13 июля 1946 года.
Статья составлена по материалам http://re-actor.net/
Штиглиц сделал этот снимок, используя небольшую (4x5) камеру, которая в то время не могла считаться серьезным инструментом для художественной фотографии. Однако в отличие от громоздких (8x10) камер, требующих использования треноги, эта камера дала Штиглицу большую свободу и мобильность, с ней он мог бродить по городу и быстро реагировать на изменяющуюся уличную жизнь.
The Steerage, 1907
The Steerage, 1907
The Steerage, 1907
Снимок "The Steerage" получил широкую известность спустя четыре года с момента создания, после того, как в 1911 году Штиглиц опубликовал его в своем издании "Camera Work", посвященном собственным фотографиям в "новом стиле". В 1915 году он перепечатал этот кадр в крупном масштабе методом гелиогравюры на пергаменте и на японской бумаге для включения его в свой последний журнал.
The Steerage, 1907
From the Back Window, 291, 1915
1907-1917
Американский фотограф при помощи автохрома братьев Люмьер создавал цветные фотографии еще в начале ХХ-го века. Чаще всего он делал цветные портреты, потому что для их съемки требовалась длительная выдержка.
Автохром с начала ХХ-го века и до середины 30-х годов оставался единственным способом создания качественной цветной фотографии в массовых количествах. Фотографии, сделанные американцем Альфредом Штиглицем в промежутке между 1907-м и 1917-м годами первыми попали в музеи страны и выставлялись наряду с картинами, написанными художниками. Фотограф организовывал выставки самостоятельно, а также был руководителем одной из первых нью-йоркских фотогалерей. Коллекция цветных снимков удивительна тем, что Альфред прославился не этими работами, а черно-белой репортажной съемкой.
unionfoto.ru
